Ya sea trayendo literalmente suelo panameño a Miami o subvirtiendo los mensajes de los cultos religiosos mexicanos al apropiarse de su iconografía en murales de azulejos llenos de insinuaciones sexuales, los artistas latinoamericanos en Art Basel Miami Beach este año están encontrando formas de reinventar su herencia cultural como piezas de arte sorprendentes y fantásticas.
La artista mexicana Renata Petersen, originaria de Guadalajara, ha presentado su stand en Art Basel con tres colecciones que, a primera vista, podrían parecer inconexas: intrincados murales de azulejos con lemas e iconografía cubiertos; 80 obras de vidrio soplado y cromado que parecen piezas de ajedrez, pero que en realidad provienen de juguetes sexuales; y jarrones de cerámica con motivos cuidadosamente dispuestos. Para Petersen, estas obras surgen de una infancia vivida con su madre antropóloga, donde aprendió a observar las sectas y otros movimientos religiosos con una mirada objetiva.
“Mi mamá es antropóloga y se especializa en religión, y me llevaba a todas sus visitas de campo”, compartió Petersen. “Tiene un libro que escribió en 1993, Los Niños de la Luz, sobre una gran secta que surgió en Guadalajara. Mi historia de vida estuvo muy influenciada por la de mi mamá, siempre haciendo preguntas, sin juzgar, muy abierta a comprender estos nuevos movimientos religiosos”.
Petersen está motivada en parte por preservar la historia de estas subculturas. “Eran personas reales”, dijo. “Eran vidas reales y, en cualquier caso, siguen aquí; siempre podrías terminar siendo parte de una secta”. También le fascina cómo los humanos son capaces de tomar algo tan abstracto como lo sagrado y hacerlo muy corpóreo. Fue ese afán por hacer concreto lo divino lo que la llevó a los artesanos del vidrio soplado de Jalisco, México, donde encontró inspiración para sus propias creaciones de vidrio. “Son algo intermedio entre las estupas y los tapones anales”, dijo, haciendo referencia a los monumentos budistas al mismo tiempo que a los juguetes sexuales, “son templos para nuestro impulso sexual”.
Originaria de São Paulo, la artista Thalita Hamaoui también se inspira en las tradiciones nacionales, aunque para ella el resultado no son azulejos ni esculturas, sino impactantes pinturas al óleo que danzan con el movimiento y deslumbran con colores contrastantes. Inspirados por los impresionistas, los paisajes brasileños de Hamaoui son más evocaciones imaginarias de la experiencia de estar en Brasil que representaciones directas de paisajes que uno podría ver en la realidad. “Busco un instante de un paisaje, es como un segundo o algo así”, me dijo. “En Brasil puedes tener tantos tipos de clima diferentes en un mismo día; es una mezcla de todo”.
Hamaoiu se inspira en tradiciones artísticas no occidentales para evitar un punto de fuga y, en cambio, aplanar sus paisajes, creando una mezcla sensual y llamativa de texturas y colores intrincadamente estratificados. Hamaoiu trabaja rodeada de sus múltiples lienzos, entre los que se mueve intuitivamente durante una sesión creativa, concentrándose alternativamente en una pequeña mancha de pintura y luego retrocediendo para evaluar la obra en su conjunto.
“Cuando estoy en el estudio, puedo tomarme mi tiempo, y eso es tan hermoso e increíble: poder detenerme en los pequeños detalles”, compartió. “São Paulo es una locura, y cuando entro al estudio, el tiempo es tan lento. La pintura al óleo no es algo que se pueda apresurar; tarda meses en secarse”.
Habiendo crecido en la década de 1980, mientras Brasil emergía de una dictadura de casi 30 años, el arte no era la opción más lucrativa para Hamaoui. “Brasil no era un lugar donde se pudiera ser artista”, me dijo. “Era como, ‘Bueno, seguro que me van a joder'”. Se abrió camino personalizando ropa de segunda mano, a menudo pintando directamente sobre ella, una habilidad que le resultó muy útil cuando finalmente pasó a pintar sobre algodón y lino. “Incluso hoy, cuando pinto, me gusta mucho elegir las telas que uso. Marca una gran diferencia en la superficie, si usas lino o algodón”.
Desde el vecino sur de Brasil, el argentino Gabriel Chaile crea formidables esculturas de adobe, un material que lo transporta al hogar de su infancia: allí su familia elaboraba el pan que se vende típicamente en el norte de Argentina para el sustento del hogar. La receta del pan provino de la abuela indígena de Chaile, quien originalmente le enseñó a su familia cómo autoabastecerse mediante la repostería.
Chaile moldea su adobe en formas misteriosas, vagamente similares a las de un hogar, cubiertas de innumerables marcas; formas que parecen extraídas de la historia arcaica de la cultura visual y que apuntan a una humanidad compartida que trasciende las divisiones nacionales. «Estudiar arte, es decir, estudiar imágenes», compartió en español, «me permite observar cada vez más estas formas de toda ‘América’ con cierta hermandad».
Desde formas desgastadas por el tiempo hasta la actualidad, las esculturas de adobe de Chaile se complementan con dibujos y fotos inspirados en las protestas del Día de los Reyes Magos, que presenció durante una residencia en Bozeman, Montana. Chaile reflexionó que nunca había visto una protesta como esa —una en la que las consignas y los carteles se dirigían principalmente a los coches que pasaban— y se convirtió para él en un momento de unión entre grupos de personas distantes.
“Lo que realmente me inspiró fue la sensación que tuve al ver esa protesta”, dijo. “No pensaba en Trump, es decir, no pensaba en la idea del otro como enemigo. Pensaba en el gesto que este grupo de seres humanos estaba realizando al unirse para luchar por mantener una verdadera coexistencia entre todos los diferentes grupos que pueden unirse para formar una sociedad. Esto fue lo que me impactó”.
